Как научиться писать музыку?
Premiumtechnologies.ru

Дизайнерский портал

Как научиться писать музыку?

Как взять и начать писать музыку, если очень хочется

Полезно знать, как устроено то, что тебе нравится. Любое искусство становится в разы интереснее, если ты в курсе, как работают его произведения изнутри. Заменяя дурацкое созерцание на исследование, мы, в целом, становимся умнее. И если раньше для изучения искусств требовалось слишком много всего, то теперь достаточно лишь компьютера с парой аксессуаров — и вот ты уже готов сделать что-то своими руками. Например, освоить базовые навыки сочинения музыки, которую потом, может быть, кто-нибудь захочет послушать. Или купить.

Кадр из фильма «Амадей» — кстати, если ты его не видел, то срочно исправься.

Ничего не получится, потому что у меня нет образования

Во-первых, ты слишком стар, чтобы поступать в детскую музыкальную школу, а во-вторых ничему хорошему тебя там, скорее всего, не научат. Статистически большая часть людей, окончивших ДМШ, выкинула инструмент в окно сразу после выпускного концерта и вспоминает все эти бесконечные упражнения с ненавистью и тяжелыми вздохами.

Конечно, теоретическая часть крайне полезна, но к ней можно перейти позже, когда поймешь, что степень твоего интереса подразумевает соответствующее погружение в вопрос.

Я не умею читать с листа

Запомни простую вещь: нотное письмо придумали в ту пору, когда у человечества не было даже намека на технологии звукозаписи.

Для великих композиторов все эти крючки, точки и полосы были единственным способом зафиксировать только что придуманную мелодию и передать ее исполнителям.

Даже 10 лет назад это еще было проблемой, но теперь можно записывать музыку хоть на айфон, а потом собирать из черновиков что-то вменяемое.

Тем не менее, знание нотной грамоты — тоже очень полезный теоретический навык. Оставь его на потом.

Базовый комплект

Если ты не владеешь ни одним музыкальным инструментом, но очень хочешь изливать душу в форме упорядоченных звуков, будет достаточно купить ноутбук и MIDI-клавиатуру, а затем определиться с программой, в которой предстоит работать. Если ты имеешь дело с Windows, то для начала попробуй простейшую FL Studio (100 долларов, бесплатная демо-версия). А на макбуках по умолчанию установлена Garage Band, ее больше чем достаточно.

Компактный вариант от M-Audio. Подключается по USB; две с половиной октавы. Средняя цена аналогичных устройств — около 6000 рублей.

Клавиатура же в первую очередь нужна для наглядности. Матерому композитору для работы она не требуется: человек с опытом способен зайти в редактор и написать музыку в полной тишине, как html-программист. Тому же, кто хочет понять, как тут все устроено, и что какие звуки издает, пригодится инструмент, с которого музыку начинают изучать и дети. Вот «до», вот «соль», — на клавишах все куда очевиднее, чем на гитаре с ее своеобразной логикой.

Что делать дальше

Вооружившись всем необходимым, для начала стоит попробовать повторить тех, кто тебе нравится. К примеру, если ты решил поинтересоваться профессией музыканта из-за Depeche Mode, есть смысл попытаться «снять» пару их хитов, хотя бы фрагментарно.

Да, дети в музыкальных школах занимаются тем же самым: или играют круговые упражнения, или разучивают произведения великих. Но у нас с тобой свои великие, правильно? Выбери несложную песню, попробуй уловить мелодию и повторить ее, нажимая клавиши. Обещаем: в течение первой дюжины подходов ты будешь чувствовать себя круглым идиотом — звучит-то просто, а в исполнении все это как минимум не удобно. Через некоторое время выработается привычка, разомнутся пальцы и появится уверенность; главное — не отступать. Иначе единственный вывод, который ты сделаешь, будет состоять в том, что писать музыку сложно. Хотя это не так. Если знать, как устроена композиция, единственное, что останавливает тебя от написания хита уровня «Не сыпь мне соль на рану», — твоя собственная фантазия, не более.

Просто. Нажимай. На кнопки

Раз уж взялся, запускай свою музыкальную машину как можно чаще и играй то, что уже запомнил. Рано или поздно это приведет к тому, что ты осмелеешь и начнешь импровизировать, обогащая (скорее, похабя) чужие этюды собственными. Случайные попадания в какие-то ранее неизведанные ноты приведут к тому, что ты научишься сочинять — сперва совсем простые вещицы, а затем все более и более комплексные.

Не относись к этому слишком серьезно

Главная ошибка всех, кто начинает делать что-то просто из любви к искусству, состоит в том, что такие люди скоропостижно начинают корчить серьезное лицо и говорить окружающим, что они «инди» или «музыканты». Никакой ты не этот — ты просто любознательный дилетант. Принимай всю критику во внимание и относись к ней смиренно — ну правда, неужели можно рассчитывать на стремительное признание, если ты буквально вчера впервые услышал, как из-под твоих рук звучит виртуальный рояль?

Если ты вдруг понял, что всю жизнь именно этого и хотел, и из сиюминутного увлечения музыка переросла в мало-мальски серьезный приоритет, найми репетитора. Теперь, когда у тебя есть базовое представление о том, как все работает, можно смело идти учиться более профессиональным вещам.

В то же время, не нужно ставить на себе крест, если кто-то из близких скажет, что это «не твое», и вообще ты зря тратишь время. Изучение музыки, даже бытовое и очень поверхностное, развивает воображение и фантазию, плюс, при должном рвении у тебя откроется возможность заработать на этом каких-нибудь денег — потому что сейчас все вокруг снимают рекламу и делают игры, которые нуждаются в звуковом оформлении. В конце концов, ты приобретешь навык, которым сможешь позже поделиться с детьми.

А твой недоброжелательный родственник только и может, что ходить в магазин со своими пакетами.

Как начать писать музыку

Как-то раз ты посетил вечеринку в одном из модных столичных клубов, где в лучах светомузыки узрел человека, который экстатично нажимал клавиши и кнопки, извергая при этом звуки, доселе неизвестные человеческому уху. Ты подумал: «Да, я тоже так хочу, это именно то, что мне нужно».

Вот ты твёрд и полон решительности во что бы то ни стало писать электронную музыку, но с чего же начать?

Во-первых, тебе нужен компьютер (спасибо, кэп).

Далее – софт. В этой статье мы будем работать с программой Ableton Life (но также эту функцию вполне успешно выполнят такие секвенсоры, как FL Studio, Logic, Cubase и др.) Скачать Ableton можно, к примеру, тут.

Программа Ableton Life была создана двумя немецкими программистами. Их главный слоган — «Сделано музыкантами для музыкантов». В чём же преимущество Ableton Life? Ableton, в отличие от остальных, кроме режима аранжировки имеет ещё и режим сессии, что крайне, нет, даже ЧРЕЗВЫЧАЙНО удобно и абсолютно незаменимо при живых выступлениях.

Итак, у тебя есть компьютер с установленным Ableton-ом. Ну, уже можно творить?

Теоретически – да. Но это будет ужасно неудобно, особенно если ты совсем новичок в музыкальных делах.

Крайне рекомендуется вдобавок ко всему приобрести/найти/ украсть / отжать простейшую MIDI-клавиатуру: набор чёрных и белых фортепианных клавиш.

Например M-AUDIO OXYGEN 25 3RD REFRESH.

Зачем? Для того, чтобы физически ощущать то, что ты делаешь, иначе процесс создания музыки превратится в математику.

Допустим, всё это у тебя уже есть. Тогда, наконец, переходим непосредственно к делу!

Ты открываешь Ableton и видишь ЭТО.

Не стоит пугаться, тут всё предельно просто.

Как объяснял на уроке Вова Потапенко, представь, что выделенные для наглядности оранжевым цветом столбики – это музыканты: барабанщик, басист, балалаечник, варганист – что душе угодно. Твоя задача – раздать им партии. (В этом видео Вова Потапенко рассказывает, как подключить midi контроллер к Ableton Live, чтобы это сделать видео.)

То, что ты видишь на экране, и есть знаменитый режим сессии. Горизонтальные, выделенные (нами) синим полоски – это так называемые «сцены», переключая которые, ты в скором будущем выстроишь драматургию своего трека.

Вова отмечает 4 главных качества, которые нужны человеку для написания электронной музыки:

1) слушательский опыт: слушайте музыку разных направлений и стилей, это значительно расширит ваш кругозор и понимание того, каким в итоге должен получиться трек;

2) элементарное знание теории музыки;

3) владение каким-либо музыкальным инструментом (а иначе как наиграть мелодию?);

4) знание программы, в которой работаешь (дабы использовать все её возможности по максимуму).

Любая композиция состоит из СЭМПЛОВ — небольших звуковых фрагментов, вырезанных из записи.

То есть, если ты возьмёшь песню Киркорова «Зайка моя» и вырежешь слово «зайка» или, скажем, пару секунд проигрыша – это всё будут сэмплы.

Они делятся по длительности на «лупы» (loops) и так называемые «one shot сэмплы».

То есть «луп» — это, исходя из нашего примера, «брэйк» целиком, а «one shot» — только один короткий удар.

Вова Потапенко советует всем работать как раз с «one shot» сэмплами, потому что, во-первых, они дают больше свободы, а во-вторых, используя их, ты действительно создаёшь СВОЙ СОБСТВЕННЫЙ трек, а не собираешь его из чужих, уже готовых кусочков.

В принципе, Ableton имеет стандартную библиотеку сэмплов, но, как правило, их бывает недостаточно для того, чтобы раскрыть всю задумку автора. Исходя из этого рекомендуется «накачать» сэмплов, да побольше.

Если ты человек, далёкий от музыки, то тебе придётся минимально изучить гармонию, чтобы не допускать дисбаланса в своём треке. Можно использовать гармонические таблицы, например, такие:

Читать еще:  Как избавиться от муравьев в бане?

По словам Вовы, для успешного трека очень важно, чтобы каждый инструмент как бы рассказывал свою собственную историю, был живым. Не стоит бояться непопадания в ритмическую сетку – так трек будет звучать естественно, ведь даже самый виртуозный музыкант не играет на 100% ровно в ритм.

О том, как начать записывать, вам расскажет непосредственно преподаватель школы Ableton Вова Потапенко: ВИДЕО.

Нужно помнить, что главное – это ваши уши, и только они подскажут, как нужно делать правильно.

Смотрите видеоуроки, читайте, слушайте, пробуйте.

А ещё можете записаться в Ableton школу к Вове Потапенко, и он вас всему научит!

Наталья Куницкая (Mustelide) – выпускница Ableton School Belarus, фото взято отсюда.

Обучение созданию музыки быстрый способ. Инструкция начинающим

Как быстрее научиться создавать музыку, если ты полный 0. Правильная стратегия в обучении.

Привет, это снова проект FL Studio PRO и Павел Уоллен. Сегодня я долго думал над темой для нового видео и понял, что я часто забываю про важную частицу своей аудитории и это самые начинающие и как им трудно по началу, находиться в неведении с чего вообще начать и не видеть даже четкую карту маршрута от полного 0 до настоящего артиста, который зажигает сердца музыкой.

Поэтому сейчас очень важная, для кого-то необычная, максимально открытая информация о том, по каким областям и самое важное в каком порядке и какое внимание уделять каждой, необходимо пройти человеку, который хочет достичь высот в музыкальном продакшене (и здесь не важен жанр), эта карта будет универсальной.

И пусть это так же будет Вашей ментальной картой на будущее, чтобы время от времени даже когда у вас все идет хорошо в обучении, и вы растете, вы смогли проверить и скорректировать свой путь.

Всего есть семь сфер музыкального продакшена, в которых вам нужно впитать крепко хотя бы основы и все они будут трудными в познании, ну может быть за исключением первой, и при чем 2 из 7 опциональные, то есть вы можете в этом и не разбираться и это нормально, но лучше если вы разбираетесь в этом.

Вот, как и куда Вам важно двигаться:

Как научиться создавать музыку не теряя времени:

1) Немного физики звука, как нужной основы

Вы будите работать со звуком и как крепкий блок фундамента, поверьте мне очень важно понимать простейшую физику некоторых параметров у звука. У звука есть громкость, так как мы живем в стерео эпоху, есть панорама, и третий наиболее важный параметр звука – это высота тона (и это есть Pitch).

Как закрыть базовые вещи здесь: просто посмотреть одно или несколько видео по теории звука или физики звука, и эта область наиболее простая для понимания и многими осознаваемая еще со школьной программы.

2) Как работать в вашем секвенсоре.

Сюда входит логика вашего секвенсора, эффективное обращение и ориентация в нем и умение пользоваться основными его инструментами и конечно хоть какими-то плагинами.

Как понять ваш секвенсор и его возможности хотя бы на 50% – либо смотреть кусочные обучалки на YouTube, либо пройти полноценный видеокурс или тренинг – это будет намного полезнее и закроет эту проблему – если вы ее будете постоянно практиковать, а не просто отложите после изучения. Такой курс имеется и у нас в арсенале, если будет интересно. С ним можно ознакоиться ЗДЕСЬ

3) Гармония и ритмика

Здесь начинается очень ответственная область и обязательная в полном осознании ее основ. Здесь начинающий знакомится с фактом что НЕ каждый рисунок, написанный им в Piano Roll может считаться мелодичным и приятным в музыкальном смысле. Что есть оказывается лады и тональности и все крутить вокруг них в создании идей и мелодий. И что ритмика и умение делать ее интересной в некоторых моментах может усилить восприятие вашей идеи.

Здесь совет строгое видео-обучение (уроки или курсы) с моментальной практикой в Piano roll или на Midi клавиатуре и у Вас обязательно будет такой щелкающий момент, осознание которого все-таки сколько-то да продлиться после щелчка «Ах вот оно как работает с этими всеми нотами». После самых и практически достаточных для танцевальной музыки основ на протяжении нескольких лет вы все тика будите пополнять свои знания более углубленными фишками в гармонии и даже ритмике.

Здесь же возможно ваше первое приобретение в виде MIDI клавиатуры или DrumPad так как такие вещи очень облегчают создание музыки и естественное обучение навыку гармонии и ритмики.

Как, зная все уже пройденное, создать из инструментов и семплов ударных музыку и композицию?

Вот мы и подошли к самому трудному и как только вы поймете основы аранжировки любого жанра (кстати по жанрам основы немного отличаются так скажем в оттенках) вы поймете, что каждый месяц-три месяца, если вы продолжаете писать музыку – вы узнаете все больше, и вот этот процесс с опытом вроде бы замедляется в этом узнавании нового, но в реальности – навыку аранжировки мы учимся всю свою жизнь и нельзя этому полностью овладеть и сдать гуру.

Ни один музыкант даже самый опытный ни черта не знает что пойдет в следующей части композиции, если он зарисовал первую, даже Hans Zimmer высказался, я понятия не имею как начать и продолжить идею, я просто сажусь и пробую писать.

Единственный способ стать лучше в аранжировке – это больше писать музыки, но есть и очень полезный буст, который ускорит многократно такое практичное обучение, это анализ композиций, которые вам нравятся в схожем с вами жанре, детальный анализ всего что происходит с инструментами (гармонически, ритмически и тембрально) и применение подобного у себя, набрав достаточно опыта, вы смелее сможете экспериментировать и вводить свои правила и фишки в аранжировку.

Помните, что эту область музыкального продакшена мы изучаем всю нашу жизнь как артисты.

Здесь вы также столкнетесь с тем, что есть куча плагинов, синтезаторов, которые так или иначе бают звуки, которые больше коррелируют с вашим жанром и вообще нравятся вам больше, желательно ознакомиться с лидерами на этом рынке (я сделал видео с таким топом, оно будет здесь в подсказке, но лучше досмотреть это видео до конца и перейти позже)

Так же скорее всего с более сложными аранжировками вы придете к тому что Вам покажется мало ресурсов вашего ПК и потребуется достойное обновление процессора, а может быть и всего железа. Музыка конечно же, как и любое хобби требует вложений.

5) Сведение и обработка

Создавая музыку и внедряя различные инструменты в аранжировку все в конце концов сталкиваются с тем, что звучит что-то не так чисто, что-то не так плотно, звучание конкретно так отличается от того, что мы слышим от наших кумиров.

В картину входит сведение и обработка инструментов для достижения разборчивого, объемного и плотного потока звука вашей композиции. И делается это по большей части с помощью базового функционала микшера (фейдеры громкости и панорамы) и плагинов обработки (что может включать в себя эквалайзеры, компрессоры, эффекты пространственной обработки и еще много каких плагинов) и все ради одной цели обработки одного или нескольких инструментов чтобы он дал всему миксу то что от него требуется. Конечный итог здесь, конечно ясность и плотность общего потока звука.

Я бы сравнил эту область в познании с аранжировкой, хотя я всегда советую больше стараться и гнаться за аранжировкой, так как более удачный подбор инструментов может избавить Вас от кучи ненужных манипуляций в сведении.

Но сведение сложно в своем освоении, только из-за кол-ва уникальных ситуаций и возможных проблем в миксе. Даже по изучению основ и разрешению основных конфликтов в звуке вы все так же будете еще долго узнавать много нового в этой области от людей кто опытнее вас, например. Здесь конечно же видео обучение, но с чутким слуховым анализом и развитием звукорежиссерского слуха на распознание тонких отличий в звуке.

На этом этапе, а кто-то чуть ранее столкнется с необходимостью достойного оборудования в виде звуковой карты, мониторных наушников, либо студийных мониторов и хоть какой-то отделке помещения для этих мониторов.

6) Мастеринг (опционально)

Этот процесс отличается от сведения тем, что, во-первых, это обработка исключительно сведенного общего потока аудио вашей композиции, делается это на соответствующей мастер шине на микшере, так же плагинами обработки, которые похожи по типам на те, что мы используем при сведении, только манипуляции на них уже будут максимально детальными и аккуратными, так как главная цель мастеринга – это придание композиции желаемого формата и необходимой сегодня громкости, так же выявление его недостатков, устранение их, + нахождение тех характеристик которые мы можем сделать лучше.

У каждого свое мнения, но именно профессиональный мастеринг, как я считаю, не может делать каждый, так как необходимое оборудование в виде не дешевых мониторов и подготовленной мониторной комнаты для них, чтобы слышать действительные детали.

Этот процесс опционален в освоении, так как если вы желаете издаваться на лейбле, то на многих лейблах за вас это сделает там свой мастеринг инженер и подгонит ваш трек под формат лейбла. Ваша цель соответственно просто качественно свести.

Читать еще:  Как убрать жирное пятно с бумаги?

Другой момент можно делать предварительный домашний мастеринг если это необходимо, просто совершая коррективы в частотном спектре композиции и сделав максимизацию до стандартов RMS вашего жанра.

Есть мнение, что лучше плотнее и чище сводить, чем исправлять многое на мастере, и оно с одной стороны имеет место быть.

7) Музыкальный маркетинг и промоушн.

Умение распространить ваши композиции как подводящая все вышесказанное ступень в деятельности музыканта.

Не совсем, но частично опциональный шаг, не важно по какому пути вы пойдете лейбл или самопродвижение, вам нужно чтобы вас услышали, либо серьезные лейблы и потом слушатели, либо сразу ваша аудитория слушателей. Здесь самое главное сегодня это вести свои соц. сети, и писать-писать уникальную музыку в своем стиле, так как нигде кроме как в сети в интернет вас не заметят и вас заметят только если вы будете уникальными.

Учится этому нужно, но понимайте, что сначала нужно освоить все выше сказанное, музыка и контент это главное и первостепенное, детали маркетинга будут позже намного позже, просто что нужно сделать сейчас это создать и оформить свои социальные сети и постоянно пополнять их работами, не чего страшного, что они еще «не очень», критика сделает вас лучше, а лучше это всегда лучше!

А я желаю вам всего самого классного – увидимся в следующих видео!

Как музыканты сочиняют музыку: Слышат ли они музыку в своей голове

О музыке я знаю немного, но, говорят, что музыканты слышат и сочиняют музыку в голове. Они действительно слышат все эти быстрые переходы, сложные аккорды и звуки, которые есть в музыке Листа?

Например, очень быструю мелодию в рапсодии №2 или звуки из рапсодии №6 (невозможно поверить, что их рождает рояль), или прекрасную концовку рапсодии №12.

Аноним: У меня есть музыкальное образование, и я занимался музыкой много лет (примерно с 6 до 23 лет). Отмечу, что сейчас я работаю программистом и не осмелюсь назвать себя профессиональным композитором, однако я неплохой музыкант, могу выступать на сцене, дирижировать оркестром, выступать с оркестром, учить детей, сочинять короткие произведения и т.д.

Если вы обладаете музыкальным слухом, и он абсолютный, то можете «слышать» музыку в своей голове, читая ноты. Глядя на партитуру, вы можете представить, как это будет звучать (с очень высокой точностью).

Теперь поговорим о сочинении.

Насколько я знаю, существует по меньшей мере три основных способа создания музыки.

Интуитивный способ или способ на основе вдохновения

В голове рождается целое произведение. Сначала вы его слышите, а потом записываете. Оно просто появляется в вашей голове из ниоткуда. Я написал одно произведение таким способом, и это был странный опыт. Пока я был вдохновлен, меня не покидало ощущение, что я «одолжил» свои руки, и «нечто» сыграло ими композицию, а я записал её на бумаге.

На самом деле, это произошло на экзамене по композиции: я не готовился, пришел за час до экзамена, написал произведение и успешно сдал его (однако я рекомендую готовиться). Недостаток этого метода в том, что если у вас нет вдохновения, то магии не произойдет – не будет музыки.

Вероятно, музыка рождается в вашем подсознании или где-то еще. Я думаю, что идея постепенно формируется в глубине вашего разума и, в конечном счете, превращается в результат. Потом вы ее слышите и записываете. Иногда у вас нет выбора, потому что идея «требует», чтобы ее записали. Это ощущение ни с чем не спутать.

Методологический способ или подход на основе знаний

Если вы хорошо знаете теорию музыки (очень-очень хорошо), то сможете создать композицию так, как её создают компьютерные программы: выбираете основной мотив, а затем сочиняете музыку на бумаге в соответствии с правилами гармонии и другими идеями, которые хотите воплотить. При таком подходе вы создаете музыку «с нуля», корректируя её звучание на каждом этапе.

Музыка, созданная таким способом, может показаться скучной, неэмоциональной или предсказуемой. Я слышал одно произведение, очевидно созданное таким методом, и оно было наискучнейшим. Для написания достойной музыки вам понадобится много теоретических знаний.

Комбинация двух способов

Трудно получить всю мелодию целиком только на основе вдохновения. Также трудно создать целую мелодию, основываясь лишь на теоретических знаниях. Поэтому вы можете смешать два этих метода. Вы придумали мотив, который вам нравится (вдохновение), а затем, используя знания, вы превращаете его в полноценную композицию (гармонию). Во время игры к вам может вернуться вдохновение и принести с собой оставшуюся часть мелодии.

Использование смеси двух техник – вероятно, наилучшая идея. Дело в том, что, когда мелодия «оказалась у вас в голове», вы не сможете записать её полностью – одну минуту максимум. Этого недостаточно для полноценного произведения.

То, что я рассказал выше, подойдет для написания музыки с использованием реальных музыкальных инструментов.

Для электронной музыки существует еще один способ – метод проб и ошибок. Сначала вы запускаете музыкальную программу с пустым шаблоном, потом начинаете повторять какой-нибудь музыкальный рисунок и постепенно добавляете звуковые эффекты, наблюдая за изменениями. Если вам нравится то, что вы слышите, то проект сохраняется, и процесс наложения эффектов продолжается.

Изменяйте ритм, слушайте – меняйте такт, добавляйте биты. Проигрывайте снова. Накладывайте другие шаблоны и так далее. Этот процесс совершенно отличается от методологического способа и больше подходит для электронной или нестандартной музыки. В качестве аналогии можно привести ребенка, играющего в кубики. Необходимо понимание изменений, происходящих при добавлении того или иного эффекта.

Кертис Линдсей (Curtis Lindsay): Когда мы слушаем «Венгерские рапсодии» Листа, то слушаем музыку, которая, скорее всего, была рождена в ходе импровизации.

Лист, как и многие другие великие музыканты того времени, был невероятно опытным импровизатором и превосходил в этом многих композиторов. Вероятно, не все «Венгерские рапсодии» были рождены одинаково, однако ключом к их созданию стала импровизация. После того, как мелодия была готова, она просто дорабатывалась и шлифовалась.

Другое объяснение – у композиторов разные методы работы, но почти все они связаны с воспроизведением и обработкой музыки «в голове». Никто не садится сочинять музыку по формальным правилам теории. Теория музыки – это аналитический метод, он не предназначен для её создания.

Как правило, большинство композиций создаются с помощью музыкальных инструментов, чаще с помощью клавишных, например, фортепиано. Но иногда композиторы предпочитают работать без них, используя только свой разум и бумагу.

Деннис Хоффманн (Dennis Hoffmann): Лично я, особенно в течение последних лет, всегда представляю новую песню у себя в голове. Или хотя бы её часть. Обычно в тот момент, когда что-то зарождается в моей голове, я достаю телефон и напеваю мелодию на диктофон, чтобы не забыть.

Если мотив получается очень хорошим, то я могу начать сочинять песню целиком. Я ужасный барабанщик, но могу представить, как будут звучать барабаны… басовая партия… гитарная партия… как должна звучать гитара.

Моя сильная сторона – это написание текстов песен. Когда я был моложе, то сначала писал слова, а потом накладывал музыку. Но с годами изменил свое мнение – сейчас я сначала сочиняю музыку, а затем пишу слова песни, сокращая или удлиняя некоторые части композиции, чтобы уместить все, что мне нужно.

Однако во многих случаях структура песни может меняться. Сейчас я по большей части работаю один и сам записываю несколько дорожек, создаю барабанный ритм, добавляю синтезатор, записываю партии гитары и бас-гитары и т.д. В процессе творения (особенно когда программирую синтезаторы) я могу что-нибудь изменить, потому что нашел звук, который изначально не планировал использовать, но который хорошо подходит. Безусловно, здесь много свободы действий.

Иногда я записываю живую игру музыкантов, а не создаю синтетические звуки, потому в финальную композицию могут вноситься изменения – всему виной стиль игры исполнителя. Я считаю, что это не самый приятный способ создания музыки.

Мне песня нравится такой, какой я ее написал, и я не люблю, когда кто-то портит ее своей игрой. Но иногда это необходимое зло – я не всегда могу получить нужный мне звук искусственным образом, потому я нанимаю человека, который сможет его сыграть.

Если вкратце, то, действительно, все начинается в моей голове.

Как написать песню

Современная эстрада способна удовлетворить любой вкус. Обширный репертуар в самых разных жанрах пополняется, обновляется постоянно. Но это не значит, что нет места для творчества, реализации оригинальных идей. У многих людей, обладающих музыкальными, поэтическими способностями возникает желание написать песню. Не нужно думать, что это привилегия профессионалов. У любительских авторских шедевров тоже есть право на жизнь. Необязательно удовлетворять великие амбиции, мечтать о славе, большой сцене. Можно написать текст, музыку для произведения, которое будет звучать в узких кругах, радовать друзей, близких.

Из чего может состоять песня

Если вы хотите в итоге получить достойный результат, перед тем, как написать песню, уделите время изучению информации о структуре таких произведений. Соблюдение существующего регламента поможет создать качественный вариант, отвечающий общепринятым требованиям. Структура песни делится на несколько составляющих, у каждой из них свои особенности.

Читать еще:  Как выбрать синтезатор?

Название

Не думайте, что название не играет особой роли, его может и не быть. Это важная часть структуры. Броское, цепляющее название вызовет интерес, желание послушать песню. Кроме того нередко именно по нему запоминается произведение.

Обычно название подбирается после написания песни, так как оно должно в краткой форме точно отразить ее содержание, настроение. В нем не должно быть слишком много слов, лаконичность является обязательным условием. Считается, что максимальным размером для названия является пять слов. Это может быть строчка из текста или самостоятельная фраза.

Куплет

Основную информацию содержит куплет. В нем полноценно отражается смысл, вкладываемый в текст песни. В нескольких куплетах постепенно раскрывается сюжет, эмоциональная составляющая. Это может быть конкретная история, размышления, рассказ о каком-либо переживании и др.

В написании куплетов важно правильно рассчитывать слоги для строчек. Их содержание отличается, но сохраняется мотив. Куплеты должны исполняться в одном ритме, следовательно, число слогов должно соответствовать длине музыкальной фразы.

Пред-припев

Обязательным элементом пред-припев не является. Но эта составляющая может включаться в текст песни. Одна-две строчки, заканчивающие куплет, подготавливают к припеву. Специалисты называют его pre-chorus. Пред-припевы могут быть одинаковыми во всех куплетах или имеют определенные отличия по настроению, смыслу, но исполняются в одном мотиве.

Припев

Припеву принадлежит важная роль. Смысловая нагрузка у него может быть невысокой. Но именно припев обычно первым запоминается после прослушивания новой песни. Ему нужно уделить особое внимание. Припев может «спасти» не слишком удачное произведение и окончательно испортить шедевр.

Убедиться в его важности несложно. Все слова популярных шлягеров знают единицы, его припев с удовольствием напевают все. Припев должен быть ярким, более динамичным, чем куплет.

Бридж

В классической структуре чередуются куплеты и припевы. Но иногда требуется придать особую выразительность финальной части композиции. Для этого между припевом предпоследнего куплета и заключительной частью вставляется своеобразный мостик, который музыканты называют бридж. Его мелодия отличается от той, что используется для куплета. Бридж может быть текстовым, иногда в этом качестве уместно использовать инструментальный проигрыш.

Как сочинить текст песни

Если вы решили сочинить песню, определитесь, что именно вы хотите донести до слушателей. Смысл текста должен точно передать настроение, эмоции, раскрыть тему. Также нужно выбрать направление для построения песни. Это может быть стихотворная форма, речитатив. У этих вариантов есть существенные различия. Выбор зависит от жанра, стиля, в котором создается произведение.

Можно считать песню литературным произведением, так как в ней раскрывается определенная тема. Нужно понимать, что содержание текста является инструментом, позволяющим выразить определенную идею.

Стихотворная форма

Стихотворная форма используется в нескольких музыкальных жанрах. В такой песне музыка и слова тесно переплетаются, дополняют друг друга. Этот подход используется в написании фольклора, шансона, поп-музыки.

Перед тем как написать песню в таком формате, нужно ознакомиться с некоторыми особенностями стихотворных текстов. В создании шедевра потребуются поэтические способности, умение соблюдать определенный стихотворный размер, подбирать удачные рифмы. Нужно внимательно подходить к рифмовке. Нельзя просто подбирать слова, чтобы обеспечить звучные сочетания. Это может испортить песню, разрушить смысловую составляющую. Строки в куплете, припеве рифмуются парами.

Если обозначить строчку с одной рифмой А, а с другой Б, рифмующиеся фразы в куплете можно расположить в нескольких вариантах:

  • АБАБ – рифмы расположены через строчку;
  • ААББ – строчки рифмуются по две;
  • АААА – все строчки рифмуются;
  • АББА – рифмы в первой и последней, во второй и третьей строках.

В песнях не такие строгие требования, как в стихотворениях. Рифмы могут быть неидеальными. Сочетаться между собой им поможет мелодия. Она исправит небольшие нестыковки.

Не у каждого человека есть способности к стихосложению. Можно пойти более простым путем, выбрать для своей песни готовые стихи известных поэтов или произведения друзей, обладающих такими талантами.

Речитатив

Написание шедевра в формате речитатива отличается от стихотворного варианта. В таких песнях музыка является вспомогательным элементом, обеспечивающим оформление композиции. Это направление используется в жанрах ритм-энд-блюз, хип-хоп. Главным элементом мелодической составляющей является ритм. На него нужно опираться при создании текста.

Речитатив симметрическому ряду не подчиняется. Это своего рода разговор, только он певучий. В тексте используется естественная речь. В зависимости от стиля, жанра можно использовать размеренный, певучий или сухой речитатив.

Ритм будет важным ориентиром, если вы решили сочинить песню в стиле рэп. Обычно ее написание начинается с хука. Это своеобразный припев, который является лейтмотивом, несколько раз повторяется. Если самостоятельно сочинить его сложно, можно заимствовать строчку из любимой песни. Только не нужно его копировать точно, иначе могут возникнуть претензии в нарушении авторских прав.

Рэп может рассказывать конкретную историю, включать философские размышления, метафоры. Но идея не должна выражаться в сложной форме. Для этого жанра характерны простые слова, четкие образы. В написании слов можно утрировать, раздувать тему, если хочется не просто донести идею, а повеселить зрителя.

Как написать песню к понравившейся мелодии

Можно сочинить песню, начав с создания текста. Но большинство профессиональных музыкантов предпочитают сначала написать музыку. Она формирует настроение, задает ритм. Иногда именно мелодия наводит на определенную тему, подсказывает, о чем нужно рассказать в песне.

Необязательно сочинять мелодию самостоятельно. Такие таланты даются не каждому. Можно написать песню на готовую мелодию. Прослушать ее нужно много раз. Это поможет выбрать подходящий размер стиха или создавать текст песни в формате речитатива, ориентируясь на особенности ритма.

Тематика будущего произведения может определиться автоматически. Музыка вызывает определенные чувства, эмоции, воспоминания, которые можно отразить в стихах. При прослушивании произведения выбираются мелодии для куплета, припева, бриджа. Куплет сопровождает более спокойная, размеренная музыка. Для припева нужны более динамичные, выразительные фрагменты. Бридж отличается от них, является самостоятельной частью.

При выборе тематики для своего произведения можно ориентироваться на безошибочные «вечные» варианты, которые всегда являются для людей самыми важными. Это может быть песня о любви, местах, вере, свободе, отношениях, жестокости окружающих и др. В тексте может содержаться реальная или придуманная история, воспоминания и др. Нужно учесть, что в песне не должно быть идей, способных оскорбить, обидеть людей, нельзя призывать к суициду, навязывать негативные решения.

Написать красивый, эксклюзивный текст песни можно, обладая обширным словарным запасом. Если он ограниченный, стоит уделить время расширению кругозора. Изучение философии, психологии, истории, чтение литературы окажет существенную помощь в написании песен.

Текстовая составляющая песни должна иметь логическое построение, быть последовательной. Важно соблюдать лаконичность, сделать стихотворение максимально информативным. Есть определенные ограничения в длительности песни, которые следует учитывать. Произведение, длящееся более 4-5 минут, утомит слушателей, снизит внимание, что недопустимо.

После определения жанра, тематики можно приступать к написанию самой песни. Необязательно садиться за стол, приступать к стихосложению, мучительно подбирая слова, рифмы. Многие авторы пользуются спонтанным вдохновением. Оно может придти в любом месте: в дороге, на работе, на отдыхе. Стоит всегда иметь при себе блокнот, карандаш, фиксировать пришедшие идеи. Потом в спокойной обстановке их можно будет скомпоновать, корректировать, сделать качественный текст.

Практические советы профессионалов

Если вы решили не просто сочинить песню, а сделать этот процесс своим главным увлечением, стоит познакомиться с советами профессиональных музыкантов.

  • Не оставляйте процесс в стадии мечты. Если вы считаете написание песен своим делом, нужно приступить к действиям. Возьмите пример с писателей, определяющих количество слов для ежедневной работы. Для начала можно пообещать себе, создавать по одной песне в неделю.
  • Уделяйте время прослушиванию музыки в разных жанрах. Не нужно ограничиваться на любимых стилях, возможно, вы просто недооценивали достоинства других вариантов. Внимательно проанализируйте все стили, выберите положительные и отрицательные качества. Определите, какой жанр вам ближе.
  • Быть профессиональным музыкантом необязательно. Но теоретические основы знать необходимо. Нужно иметь базовое понятие о мелодии, ритме, гармонии. Стоит затратить время на изучение аккордов, минорной, мажорной тональности, научиться определять их особенности.
  • Руководить вдохновением невозможно. У автора-песенника всегда должны быть под рукой бумага и ручка для записи внезапно пришедших идей. Они окажут замечательную помощь в написании текста. Еще лучше, если у вас с собой всегда будет мобильный гаджет с функцией диктофона. Он поможет записать не только слова, но и мелодии.
  • Наибольшей выразительностью отличаются песни, в которых отражены сильные личные переживания. Нужно тренироваться в стихосложении, учиться отражать таким способом свои эмоции, чувства. Хорошо, если вы играете на каком-либо инструменте. Он поможет сразу положить слова на музыку.
  • Не нужно спешить с окончанием работы. Готовую песню стоит внимательно прослушать несколько раз. Это поможет найти недоработки, корректировать материал, перед тем, как выносить его на суд зрителей.
  • При написании музыки на готовый текст нужно убедиться, что настроение, эмоции в стихах и мелодичность соответствуют друг другу.
  • Красивая музыка важна, но и слова заслуживают внимания. Не нужно подражать поп-шлягерам, в которых зачастую отсутствует серьезный смысл, ставка делается на ритмичную мелодию и простой припев. Долгая жизнь может быть только у песни, которая несет определенную информацию.
  • В написании песен используйте различные музыкальные приемы, которые могут идеально украсить произведение, сделать его максимально выразительным, запоминающимся.

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector